Existen representaciones del Art Nouveau en todo el mundo occidental desde el siglo 20, y en particular, por intermedio de Jugendstil en Alemania y Escandinavia que dejó su huella en la historia del arte y de esta tendencia artística.

Este tipo de arte se caracteriza por el uso de estilizadas formas orgánicas y líneas curvas dramáticas. Muchos de sus temas están tomados de la naturaleza, aunque ésta se presenta bastante abstracta. El estilo Art Nouveau tiene su inspiración en el estilo de alta era victoriana, Roccoco, y el arte japonés. Tiene afinidades con el el tipo de arte pre-Rafaelita, simbolista, y otros estilos de diferentes Artes y Oficios.

Con respecto a la arquitectura y el diseño en el Art Nouveau se puede ver en muchas ciudades del mundo, tal vez las construcciones más famosas de este estilo son las estaciones de metro de París.

Rennie Mackintosh fue un importante arquitecto de Art Nouveau y diseñador de muebles que trabajó en Escocia e Inglaterra. Su trabajo proporciona ejemplos clásicos del estilo art nouveau. La cristalería es otro importante campo en el que el Art Nouveau floreció, especialmente en el trabajo de los parisinos, Lalique y Galle, y el diseñador estadounidense Louis Comfort Tiffany. Tiffany, Lalique y otros llevaron este tipo de arte a las joyas y diversas artes decorativas.

El Art Nouveau apareció también en las pinturas, ilustraciones y anuncios de la época. Algunos de los representantes y cuadros de artistas famosos más conocidos de este estilo son Aubrey Beardsley, famoso porque ilustró a Salomé de Oscar Wilde; Le Thomas Malory Morte d’Arthur con la revista “The Yellow Book”(El Libro Amarillo), Alphonse Mucha, el pintor checo más conocido por sus diseños de carteles; Gustav Klimt, pintor y muralista de Viena se destaca por su uso intensivo del oro y sus diseños de mosaico; Henri de Toulouse-Lautrec de Moulin Rouge y Edvard Munch, pintor noruego que produjo algunos de los más oscuros ejemplos del estilo en su serie de pinturas “Frieze of Life”.

El Art Nouveau fue sucedido más tarde en el siglo 20 por el emergente estilo Art Deco, que incorpora formas más geométricas y posee un aspecto más estilizado. Sin embargo, el Art Nouveau todavía tiene algo de influencia en ciertas artes decorativas, especialmente en la fabricación joyas.

Fuente: El Art Nouveau

La cromoterapia en palabras sencillas y llanas es un método en el cual se usan las propiedades de los colores (velocidades, longitudes y ritmos de ondas) con fines curativos, regenerativos, estimulantes, psíquicos y orgánicos. Es una técnica que deriva de la medicina tradicional de grandes culturas como la China, la India y la Grecia.

El conocimiento esotérico explica la terapia con el color como un sistema para curar las enfermedades y los desórdenes de los cuerpos mental, emocional y físico, lo que proporciona a cada uno la vibración que le falta a través de la energía de la luz manifestada por los colores.

Para saber cómo funciona la cromoterapia primero es conocer como el cuerpo recibe al color; ya que en realidad los colores no existen como tal, sino que es debido a frecuencias de luz, las cuales los ojos con ayuda del cerebro codifican y es aquí cuando sucede la magia de poder apreciar a toda la gama de colores y tonos que existen. Por este grandioso descubrimiento se ha creado a la cromoterapia, la cual es una técnica con gran auge.

Este tipo de terapia con el color se puede realizar de una forma especial, ya sea utilizando accesorios externos como saunas domésticas o simplemente con la aplicación terapeútica del calor infrarrojo. De esta forma son muchos los problemas que se pueden solucionar, además funciona muy bien como método de relajación.

Así una de las opciones que se pueden acomodar a los gustos de cierto grupo de personas que se identifican con las artes y las expresiones, es la opción de estudiar arte dramático, posibilidad que permitirá desarrollar y mejorar en gran medida las habilidades que se tengan para la recreación de escenas de contenido artístico que representen situaciones por medio la interpretación gestual y diversos componentes del ambiente, que brindan un aire de realidad a la puesta en escena.

El contenido que se puede encontrar al estudiar arte dramático es muy versátil, así se encuentran 7 puntos de estudio especial en el arte dramático, los cuales son: la dirección de las escenas, la representación de la dramaturgia, creación de ambientes como medio de implementación de la escenográfa, interpretación por medio de diferentes objetos, la interpretación por medios corporales como los gestos faciales y movimientos corporales, la interpretación textual y la interpretación en el campo del teatro musical.

Todas estas se pueden ver de manera general en la realización de la tarea de estudiar arte dramático, pero si se quiere se pueden realizar estudios enfocados a alguno de los puntos, lo cual representaría una especialización al estudiar arte dramático.

La realización de alguna de las especialidades que se presentan al estudiar arte dramático representaran 4 años de estudios académicos, los cuales permitirán alcanzar un titulo superior en artes dramáticas, lo cual es comparable a un titulo de profesional universitario.

Un punto que de gran importancia que se debe tener en cuenta a la hora de la realización de los temas referentes a estudiar arte dramático, es que este tipo de artes encuentra su esencia en la posibilidad de poder relatar por medio de la escenificación y representación. De tal forma en el proceso de estudiar arte dramático se presentaran elementos como la creación de una completa obra de teatro, lo cual exige dar vida a una trama hecha en base a acciones y sucesos en torno a una idea central

Al estudiar arte dramático, se deben resaltar puntos como el dialogo, ya que por medio de este se logra dar una mayor conexión con quienes verán el resultado; la unión entre el dialogo y la representación por medio de movimientos y gestos; la escritura y producción de la obra donde se llevaran a cabo una gran serie de actos que darán vida al texto; al igual de otros medios que permiten que la representación sea mucho mas real como lo es el vestuario y la escenografía.

Se puede decir en términos generales que estudiar arte dramático significara dar vida a un proceso de formación de una obra donde se reúnen puntos como los conflictos, las tensiones y diferentes emociones.

Es muy cierto que el arte tiene muchas formas de aplicación, pero entre tantas que hay se destaca la escultura como una gran muestra de expresividad que permite muchas más posibilidades y buenos resultados, puesto que en la escultura se pueden observar muchas corrientes y tendencia que se acomodaran a las tantas visiones que se pueden tener de la vida. Entre esas variadas tendencias y modos que se pueden encontrar en la realización de la escultura, aparece la escultura contemporánea que gracias a la gran conexión que tiene con los aspectos de la vida diaria de la sociedad se ha ganado un lugar privilegiado en el arte, siendo así en la actualidad la escultura contemporánea la que manda la parada en este ámbito.

Entre los aspectos que hacen que la escultura contemporánea se destaque tanto, se resalta la grande e inmensa conexión que se teje entre la expresión de los artistas con el contexto social, lo cual permite de una manera muy estética lograr un representación artística del mundo y lo imagen que se tiene de la sociedad y todos sus componentes, así la escultura contemporánea mas que ser una expresión artística alcanza un nivel comunicativo, dando una nueva visión de lo que es el arte y la escultura.

Las primeras apariciones de la escultura contemporánea se dieron con el advenimiento del siglo XX, como una gran muestra de ruptura con el pasado mostrándose como una nueva tendencia que renovó totalmente la visión del arte, además tal fenómeno denominado escultura contemporánea siempre se encontró acompañado de la pintura, que evoluciono a la par con la escultura contemporánea, evidenciándose en gran medida la complementariedad que hay entre la escultura y la pintura.

Uno de los puntos que contribuyo en gran medida a la aparición de la escultura contemporánea, es la total ruptura y pérdida de las tendencias y tradiciones técnicas que se manejaban en el arte, además que se perdió el gusto por la realización de obras de arte con el fin de buscar a agradar, celebrara algo, o representar a alguien. Por lo tanto con la escultura contemporánea cayeron en desuso muchas de las funciones tradicionales a las que se asociaba la escultura, como eran las políticas y las religiosas, así con la escultura contemporánea se crea una nueva visión del arte que permite explorara en nuevos conceptos generándose cada día nuevas expresiones esculturales.

Con la escultura contemporánea se han generado mejores oportunidades para los artistas, puesto que ya pueden hacer uso de muchos mas materiales que antes no se usaban tradicionalmente, lo cual limitaba su expresión artística y limitaba al uso de ciertas técnicas, mientras que con la escultura contemporánea al ampliarse los materiales y los usos, aparecían un sin fin de aplicaciones para los artistas que permiten alcanzar excelentes resultados en cuanto a la posibilidad de expresar perfectamente lo que se busca.

En 1914, cuando a pesar de la guerra las mujeres más refinadas se envolvían en metros y más metros de encajes con el sello de Worth, una desconocida diseñadora de sombreros, Coco Chanel, creó una aseroría de imagen para una nueva mujer, libre de movimientos, con faldas más cortas, sacos inspirados en la ropa marinera, sueters de cuello alto y telas que por entonces se consideraban rústicas: “le stile pauvre gent” sedujo al mundo.

Segunda guerra mundial: cuando la línea predominante era austera, casi militar, con grandes hombreras y zapatones con gruesas suelas de corcho, Dior percibe la necesidad de lujo, de refinamiento, y responde con su new look : cinturas muy ceñidas, faldas largas y amplias, mucho raso y terciopelo, zapatos con grandes hebillas de strass. No fue una revolución, pero sí una brillante respuesta.

Hoy la moda refleja el desconcierto de toda nuestra cultura. El jean universaliza y despersonaliza en igual medida. Y a falta de una línea que defina la tendencia de la época, los diseñadores mezclan añejas ingenuidades hippies con propuestas étnicas y zapatos de línea 1930 con shorts y camperones de cuero. Como resultado, la gente ya no busca el prestigio personal en un estilo: simplemente va a las tiendas de ropa a comprar marcas.

Es posible que algún creador aún desconocido esté ya gestando una síntesis que defina a la época. Entre tanto, los que admiran la pureza de líneas y la audacia del color o del diseño, valoran más los amarillos y los violetas de un sari hindú o la simplicidad de líneas del vestido chino, cerrado en el cuello y con un astuto tajo lateral. Bien; después de todo, París y Roma, y aún el nostálgico New York de Woody Allen son ya parte del pasado. Y los imperios emergentes son los más antiguos: India y China.

Así al hablar de los rascacielos se habla de edificios muy altos, de allí su denominación, pero tal concepto no se limita al referirse a edificios de extremas alturas, también al referirse a los rascacielos se hace alusión a cualquier edificio que se destaque por su altura sobre otros edificios que se encuentren en los al rededores, tal concepto lo da la CTBUH que es una entidad especializada en el tema sobre este.

Por lo tanto determinar cuando se esta ante un rascacielos solo se podrá afirmar fácilmente cuando se este frente a un notable colosal, pues cuando son edificios altos pero no para llamarlos de primera vista rascacielos, aseverar que son rascacielos es algo muy relativo, de tal forma para determinar si se esta frente a un rascacielos se debe también preguntar por el contexto o el lugar en el cual se encuentra.

Uno de los aspectos a tener en cuenta para referirse a los rascacielos, es que tales edificaciones en lo que respecta a lo vertical, debe superar por mucho cualquiera de sus otros aspectos. Otro de los aspectos que se usa mucho para clasificar un edificio como rascacielos, es una medida que tiene cierta aceptación popular, la cual consiste en una altura mínima de 152,5 metros de altura y más de 305 metros de altura es un rascacielos superalto.

Es muy cierto que los rascacielos simbolizan en gran medida el poder y la capacidad de ciertas personas o entidades, pero la construcción de estas gigantes estructuras, también resultan muy útiles en lo que se refiera a ocupación del espacio y a la posibilidad de generar más espacio que se puede aprovechar para habitar, además resulta mucho mas económico la obtención del suelo, lo cual genera un significativo aprovechamiento de este recurso, por lo cual en la actualidad la construcción de los rascacielos ha tomado gran fuerza. En los países que más se ha implementado el uso de los rascacielos es en Estados Unidos de América, México, Panamá y la China, con la idea de aprovechar al máximo el suelo en los lugares que son altamente concurridos y tiene gran vocación comercial.

Entre los elementos mas usados para la realización de los rascacielos se encuentran el acero, el cristal, el hormigón armado, la bomba hidráulica y por supuesto los ascensores, pues por las grandes alturas y la inmensa cantidad de pisos por los cuales pueden estar conformados los rascacielos hacen indispensables a los ascensores. Así con la aparición de estos materiales se genero la posibilidad de edificar los rascacielos permitiendo aprovechar al máximo el terreno y ando cabida a brindar mayores lugares para las viviendas de las personas.

Entre las tantas opciones que existen para estudiar y desarrollar algún campo del saber, en el presente articulo se recomendara estudiar arquitectura, profesión que permitirá dar un toque artístico a la creación de espacios habitables por las personas.

Así estudiar arquitectura, será la obtención de conocimientos de un campo de utilidad tanto intelectual como profesional, de tal forma el conocimiento que se imparte al estudiar arquitectura, es el resultado de diferentes corrientes de pensamientos que no solo permitirán a los estudiantes tener conocimientos básicos de la arquitectura, sino que desarrollaran un pensamiento crítico, que permitirá a quien quiera estudiar arquitectura desarrollar un gusto o tendencia artística.

Además de estudiar arquitectura, en este campo de estudio también se trabajaran temas como la ecología, las diferentes técnicas de trabajo y desarrollo de proyectos en grupo, además de varias ramas del conocimiento científico. Al estudiar arquitectura se podrá atender a una disciplina, que en muchas ocasiones se ha tomado como una respuesta de las personas a la necesidad de crear espacios y ambientes de mayor agrado ya que cuentan con unas condiciones especiales de conformación estructural.

En un momento inicial la arquitectura fue una ciencia sin teoría, era mas como un modo de expresión artística por medio de la construcción de espacios habitables. De tal forma para hacer que estudiar arquitectura fuera algo más que un proceso empírico de implementación de técnicas sin sustentos teóricos o pruebas, se introdujo al estudio de la arquitectura conceptos hasta ese entonces diferentes, con lo cual se ligo más al campo artístico, permitiendo que se eliminara en cierta medida el característico empleo empírico; sin embargo el punto de la aplicación empírica como una manifestación de expresividad resulta de gran importancia a la hora de estudiar arquitectura.

En el desarrollo de la tarea de estudiar arquitectura, se encaminara la visión de los estudiantes a ser excelentes arquitectos que puedan hacer uso de sus capacidades en lo que se refiere a la solución de problemas en cuanto a la transformación de espacios físicos que sean habitables por personas, pero siempre haciendo un enfoque que atienda a las necesidades propias que se buscan suplir con la creación o transformación de espacios, ya sea que se busquen realizar ciertas actividades especificas que necesitan de un cambio de ambiente o atendiendo a los diferentes puntos de vista socio-culturales.

Un punto que cobra gran importancia a la hora de estudiar arquitectura en la actualidad es la implementación de la tecnología  y en base a esta disciplina poder obtener los mejores resultados con la arquitectura, optimizando las propuestas de conformación de nuevos espacios.

¿Qué tiene la fotografía artística que mueve a gente e invoca respuestas emocionales? Los mismos espectadores a menudo no pueden determinar exactamente qué es lo que causa esta respuesta extrema dentro de ellos mismos cuando se les presenta una imagen. Algunos de los fotógrafos artísticos más famosos, tales como Ansel Adams, Anne Geddes o Dorthea Lange, tenían todos un asunto o un tema específico que fotografiaban, a menudo representando las imágenes de una forma que no era típica de cómo son vistas normalmente.

Los siguientes artistas han contribuido todos al desarrollo de la fotografía artística al usar una temática específica en su fotografía:

• Anne Geddes: Famosa por sus muchas fotos de bebés, esta fotógrafa artística es uno de los fotógrafos modernos mejor conocidos. Sus trabajos se ofrecen a menudo en tarjetas, calendarios y libros.

• Dorthea Lange: Más conocida por sus fotografías sorprendentes y obsesionantes de la depresión, Dorthea Lange también hizo algunas fotografías que mostraban el internamiento de los japoneses americanos después del bombardeo de Pearl Harbour. Debido a la naturaleza sensible y al clima político del momentos, muchas de estas fotografías no fueron publicadas hasta 1972.

• Ansel Adams: Fotografías asombrosas e impresionantes, generalmente en blanco y negro, de la naturaleza en su mejor representación. Ansel Adams utilizó su cámara fotográfica para demostrar al mundo la belleza de parques nacionales tales como Yosemite.

• Galen Rowell: Famoso fotógrafo aventurero que ha capturado la fauna y la naturaleza de todo el mundo. Sus fotografías abarcan desde de la fauna y el terreno de África hasta el antártico.

• Henri Cartier-Bresson: Sus fotografías llamativamente conmovedoras de personas de todas las edades hacen pensar. Mientras que algunos de los sujetos de las fotografías, tales como Truman Capote y John Houston, son bien conocidos, muchas de las fotografías son de personas cotidianas sin fama ni renombre especial.

• Jim Brandenburg: Este artista ofrece fotografías cercanas y detalladas de lobos en la naturaleza. Brandenburg pasaba a menudo literalmente horas esperando en condiciones extremas para encontrar el ángulo y el momento perfectos para disparar su cámara.

Toda la fotografía artística es una combinación de la suerte y de la disciplina técnica. Poder esperar la luz, la expresión o el movimiento perfectos para capturar lo que el fotógrafo está intentando explorar es a la vez un arte y una ciencia. Los fotógrafos artísticos que se han hecho famosos por su talento y formación han pasado años desarrollando técnicas y estilos que hacen que sus fotos sean verdaderamente únicas. Aprender la fotografía artística es una forma maravillosa de capturar imágenes para conservar para las futuras generaciones.

Ahora bien, la materia que nos ocupa, la Historia del Arte, también ha tenido importantes mujeres creadoras que no han sido reconocidas como en realidad merecen y como sí lo fueron muchas de ellas en su época. Sí es cierto que con anterioridad al siglo XVI resulta muy díficil encontrar alguna artista pero con posterioridad a este siglo hay muchos nombres que pueden sonarnos y cuya obra es de gran interés y calidad artística.

En el siglo XIV destaca la italiana Sofonisba Anguissola, que conoció al propio Miguel Ángel y que trabajó en la corte española de Felipe II. En su obra podemos ver varios autorretratos donde aparece ejerciendo su oficio de pintora así como retratos de personajes de la época y escenas de interior. Siempre pintaba personas de su entorno más próximo. Es una de las pocas mujeres artistas del Renacimiento de las que se conocen.

En época barroca, en el siglo XVII, la hija del pintor Orazio Gentileschi, la también italiana Artemisia Gentileschi fue una pintora que también se autorretrató en varias ocasiones. De ella conocemos obras muy interesantes cuyos temas están relacionados con la religión. Temas del Antiguo Testamento como el de la casta Susana o Susana y los Viejos, Judith y Holofernes y también temas del nuevo testamento, iconografía de santos, hagiografías, etc.

Ya en etapas posteriores se encuentran numerosas mujeres artistas, sobretodo a partir del siglo XX: pintoras, escultoras, fotógrafas…que han contribuido a engrandecer las muestras artísticas de la humanidad.

En lo que concierne a la pintura, los cuadros minimalistas típicos usan esquemas de colores más bien limitados y diseños con formas geométricas simples. La escultura minimalista se enfoca en los materiales usados.

Las fases consideradas para este movimiento se caracterizan por haber hecho progresar la concepción general del minimalismo. La destilación de la formas fue la primera fase, donde los contribuyentes aclamaban que, para poder generar un lenguaje universal del arte, las masas deberían entenderlo con facilidad, y parecían dispuestas a apoyar la industrialización rápida para el ajuste particular de ese momento.

Alfombras Buscando la pureza de la forma, y pavimentando el camino para la abstracción, permitiendo que la segunda fase del movimiento llegara.  Muchos de los formatos para el arte comercial que se ve hoy en día tiene una gran porción de transfondo que le debe a este movimiento en particular del arte visual, permitiéndonos entender a un nivel fundamental cuál es el mensaje que el artista está tratando de transmitir.

Gran parte de los signos y señales que encontramos hoy en día dependen de la idea de traducir el mensaje universal en términos populares. Fácilmente podemos ver la influencia del minimalismo en el diseño interior a través del mundo, y hasta podríamos decir que se encuentra tan inmiscuido en nuestra sociedad, que casi no lo podemos ver.